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Thursday, July 30, 2026

Wayne Shorter • Juju

 

 


Biography by Richard S. Ginell
Wayne Shorter was one of jazz's leading figures in the late 20th and early 21st centuries as both a composer and saxophonist. Though indebted to John Coltrane, with whom he practiced in the mid-'50s, Shorter developed his own voice and style on the tenor horn, retaining the tough tone quality and intensity and, in later years, adding elements of funk. On soprano, Shorter was almost another player entirely, his lovely tone attuned more to lyrical thoughts, his choice of notes more spare. As a composer, he wrote complex, long-limbed tunes, many of which are now standards. On his '60s albums for Blue Note, most notably Juju and Night Dreamer, the composer and the saxophone stylist meet. He co-founded Weather Report in 1970 and through 1986 released Grammy-winning albums. He issued jazz-funk recordings for Columbia and Verve in the late '80s and early '90s, including Joy Ryder and High Life. On 2002's Footprints Live!, and 2003's Alegria, Shorter showcased a new acoustic quartet dedicated to performing his compositions. As he entered his eighties, Shorter focused on impressively complex projects, including 2018's Emanon, a graphic novel combined with four-part studio suite and 2021's opera based on Greek myths titled Iphigenia.

Shorter started playing the clarinet at 16 but switched to tenor sax before entering New York University in 1952. After graduating with a BME in 1956, he played with Horace Silver for a short time until he was drafted into the Army for two years. Once out of the service, he joined Maynard Ferguson's band, meeting Ferguson's pianist Joe Zawinul in the process. The following year (1959), Shorter joined Art Blakey's Jazz Messengers, where he remained until 1963, eventually becoming the band's music director. During the Blakey period, Shorter also made his debut on record as a leader, cutting several albums for Chicago's Vee-Jay label. After a few prior attempts to hire him away from Blakey, Miles Davis finally convinced Shorter to join his quintet in September 1964.

Staying with Davis until 1970, Shorter became one of the band's most prolific composer, contributing tunes like "E.S.P.," "Pinocchio," "Nefertiti," "Sanctuary," "Footprints," "Fall," and the signature description of Davis, "Prince of Darkness." While playing through Davis' transition from loose, post-bop acoustic jazz into electronic jazz-rock, Shorter also took up the soprano in late 1968, an instrument that turned out to be more suited to riding above the new electronic timbres than the tenor. As a prolific solo artist for Blue Note during this period, Shorter expanded his palette from hard bop almost into the atonal avant-garde, with fascinating excursions into jazz-rock territory toward the turn of the decade.

In November 1970, Shorter teamed up with old cohort Joe Zawinul and Miroslav Vitous to form Weather Report where, after a fierce start, Shorter's playing grew mellower and more consciously melodic in order to fit into Zawinul's concepts. By now he was playing mostly on soprano, though the tenor would re-emerge toward the end of the group's run. Shorter's solo career was mostly put on hold during the Weather Report days, though 1975's Native Dancer was an attractive side trip into Brazilian-American tropicalismo made in tandem with Milton Nascimento. Shorter also revisited the past in the late '70s by touring with Freddie Hubbard and ex-Davis sidemen Herbie Hancock, Ron Carter, and Tony Williams as V.S.O.P.

Shorter finally left Weather Report in 1985. Still committed to electronics and fusion, his recorded compositions from the period feature welcoming rhythms and harmonically complex arrangements. After three Columbia albums between 1986 and 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator, and Joy Ryder -- and a tour with Santana (represented by the 2005 album Montreux 1988), he lapsed into silence, emerging again in 1992 with Wallace Roney and the V.S.O.P. rhythm section in the "A Tribute to Miles" band. In 1994, now on Verve, Shorter released High Life, an engaging electric collaboration with keyboardist Rachel Z.

He continued playing concerts with a wide range of groups and appeared on a number of recordings as a guest including the Rolling Stones' Bridges to Babylon in 1997 and Herbie Hancock's Gershwin's World in 1998. In 2001, he was back with Hancock for Future 2 Future and on Marcus Miller's M². Footprints Live! was released in 2002 under his own name with a new band that included pianist Danilo Pérez, bassist John Patitucci, and drummer Brian Blade, followed by Alegria in 2003 and Beyond the Sound Barrier in 2005.

Though absent from recording, Shorter continued to tour regularly with the same quartet after 2005. They re-emerged to record again in February of 2013 with a live outing from their 2011 tour. Without a Net, his first recording for Blue Note in 43 years, was issued in February of 2013 as a precursor to his 80th birthday. Just after that release, the Wayne Shorter Quartet performed four of the leader's compositions with the Orpheus Chamber Orchestra at Carnegie Hall in New York City. Shorter immediately brought the quartet and orchestra into the studio to record those same four pieces: "Pegasus," "Prometheus Unbound," "Lotus," and "The Three Marias," as a unified suite. The title of this four-composition orchestral suite is also Shorter’s title character for the graphic novel Emanon, or "no name" spelled backward. Each of the four movements has a corresponding theme in a graphic novel penned by Shorter and Monica Sly and illustrated by Randy DeBurke. It draws inspiration from the concept of a multiverse (where numerous universes co-exist simultaneously) and features a character named Emanon, an action-hero proxy of Shorter, a comic book aficionado since he was a boy. The story alludes to dystopian oppression and was clearly informed by the saxophonist's Buddhist studies. All told, the music -- performed by the quartet with and without the chamber orchestra -- was recorded live in London as well as in the studio, creating a triple album accompanied by the 84-page graphic novel. Emanon was issued in September of 2018, just after Shorter's 85th birthday. His next project proved just as ambitious, writing an opera based around the myth of Iphigenia, a Greek princess. Shorter co-created the work with librettist esperanza spalding and set designer Frank Gehry. The work merged jazz and classical themes and premiered in New York at the end of 2021. The following year Candid released Live at the Detroit Jazz Festival. Recorded at the 2017 event, it featured Shorter in a one-off quartet setting that included drummer Terri Lyne Carrington, bassist/vocalist esperanza spalding, and Argentine pianist Leo Genovese. It proved to be the last music issued during his lifetime, as he passed away in March of 2023 at the age of 89.

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Biografía de Richard S. Ginell
Wayne Shorter fue una de las figuras más destacadas del jazz de finales del siglo XX y principios del XXI como compositor y saxofonista. Aunque deudor de John Coltrane, con quien practicó a mediados de los años 50, Shorter desarrolló su propia voz y estilo en la trompa tenor, conservando la calidad e intensidad del tono duro y, en años posteriores, añadiendo elementos de funk. En la soprano, Shorter era casi otro intérprete, con un timbre encantador más acorde con los pensamientos líricos y una elección de notas más sobria. Como compositor, escribía melodías complejas y de largo aliento, muchas de las cuales se han convertido en estándares. En sus álbumes de los años 60 para Blue Note, entre los que destacan Juju y Night Dreamer, el compositor y el saxofonista se encuentran. Fue cofundador de Weather Report en 1970 y hasta 1986 publicó álbumes ganadores del Grammy. Publicó grabaciones de jazz-funk para Columbia y Verve a finales de los 80 y principios de los 90, entre ellas Joy Ryder y High Life. En Footprints Live!, de 2002, y Alegria, de 2003, Shorter presentó un nuevo cuarteto acústico dedicado a interpretar sus composiciones. Al entrar en la década de los ochenta, Shorter se centró en proyectos impresionantemente complejos, como Emanon, de 2018, una novela gráfica combinada con una suite de estudio en cuatro partes, y la ópera de 2021 basada en los mitos griegos titulada Ifigenia.

Shorter empezó a tocar el clarinete a los 16 años, pero cambió al saxo tenor antes de ingresar en la Universidad de Nueva York en 1952. Tras licenciarse en 1956, tocó con Horace Silver durante un breve periodo hasta que fue reclutado por el ejército durante dos años. Una vez fuera del servicio, se unió a la banda de Maynard Ferguson, conociendo en el proceso al pianista de Ferguson, Joe Zawinul. Al año siguiente (1959), Shorter se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, donde permaneció hasta 1963, llegando a convertirse en el director musical de la banda. Durante el periodo de Blakey, Shorter también debutó en el mundo discográfico como líder, grabando varios álbumes para el sello Vee-Jay de Chicago. Tras varios intentos previos de contratarle lejos de Blakey, Miles Davis convenció finalmente a Shorter para que se uniera a su quinteto en septiembre de 1964.

Permaneciendo con Davis hasta 1970, Shorter se convirtió en uno de los compositores más prolíficos de la banda, contribuyendo con temas como "E.S.P.", "Pinocchio", "Nefertiti", "Sanctuary", "Footprints", "Fall" y la descripción característica de Davis, "Prince of Darkness". Durante la transición de Davis del jazz acústico post-bop al jazz-rock electrónico, Shorter también tocó la soprano a finales de 1968, un instrumento que resultó ser más adecuado que el tenor para navegar por encima de los nuevos timbres electrónicos. Como prolífico solista para Blue Note durante este periodo, Shorter amplió su paleta desde el hard bop casi hasta la vanguardia atonal, con fascinantes incursiones en el territorio del jazz-rock hacia el final de la década.

En noviembre de 1970, Shorter se unió a su viejo amigo Joe Zawinul y a Miroslav Vitous para formar Weather Report, donde, tras un feroz comienzo, la forma de tocar de Shorter se hizo más suave y más conscientemente melódica para encajar en los conceptos de Zawinul. Para entonces tocaba sobre todo como soprano, aunque el tenor resurgiría hacia el final de la carrera del grupo. La carrera en solitario de Shorter quedó en suspenso durante la época de Weather Report, aunque Native Dancer, de 1975, fue un atractivo viaje paralelo al tropicalismo brasileño-estadounidense realizado en colaboración con Milton Nascimento. Shorter también revisitó el pasado a finales de los 70 haciendo giras con Freddie Hubbard y los ex-compañeros de Davis Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams como V.S.O.P.

Shorter abandonó finalmente Weather Report en 1985. Aún comprometido con la electrónica y la fusión, sus composiciones grabadas de la época presentan ritmos acogedores y arreglos armónicamente complejos. Después de tres álbumes de Columbia entre 1986 y 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator y Joy Ryder -- y una gira con Santana (representada por el álbum de 2005 Montreux 1988), se sumió en el silencio, emergiendo de nuevo en 1992 con Wallace Roney y la sección rítmica de V.S.O.P. en la banda "A Tribute to Miles". En 1994, ahora en Verve, Shorter publicó High Life, una atractiva colaboración eléctrica con la teclista Rachel Z.

Siguió dando conciertos con una amplia gama de grupos y apareció en varias grabaciones como invitado, entre ellas Bridges to Babylon, de los Rolling Stones, en 1997, y Gershwin's World, de Herbie Hancock, en 1998. En 2001, volvió con Hancock para Future 2 Future y en M² de Marcus Miller. Footprints Live! se publicó en 2002 bajo su propio nombre con una nueva banda que incluía al pianista Danilo Pérez, el bajista John Patitucci y el batería Brian Blade, seguido de Alegria en 2003 y Beyond the Sound Barrier en 2005.

Aunque ausente de las grabaciones, Shorter siguió girando regularmente con el mismo cuarteto después de 2005. Volvieron a grabar en febrero de 2013 con una grabación en directo de su gira de 2011. Without a Net, su primera grabación para Blue Note en 43 años, se publicó en febrero de 2013 como antesala de su 80 cumpleaños. Justo después de ese lanzamiento, el Wayne Shorter Quartet interpretó cuatro de las composiciones del líder con la Orpheus Chamber Orchestra en el Carnegie Hall de Nueva York. Shorter llevó inmediatamente al cuarteto y a la orquesta al estudio para grabar esas mismas cuatro piezas: "Pegasus", "Prometheus Unbound", "Lotus" y "The Three Marias", como una suite unificada. El título de esta suite orquestal de cuatro composiciones es también el título del personaje de Shorter para la novela gráfica Emanon, o "sin nombre" deletreado al revés. Cada uno de los cuatro movimientos tiene su correspondiente tema en una novela gráfica escrita por Shorter y Monica Sly e ilustrada por Randy DeBurke. Se inspira en el concepto de multiverso (donde coexisten simultáneamente numerosos universos) y presenta a un personaje llamado Emanon, un héroe de acción apoderado de Shorter, aficionado a los cómics desde niño. La historia alude a la opresión distópica y está claramente inspirada en los estudios budistas del saxofonista. En total, la música -interpretada por el cuarteto con y sin la orquesta de cámara- se grabó en directo en Londres, así como en el estudio, creando un álbum triple acompañado de la novela gráfica de 84 páginas. Emanon se publicó en septiembre de 2018, justo después del 85 cumpleaños de Shorter. Su siguiente proyecto resultó igual de ambicioso: escribir una ópera basada en el mito de Ifigenia, una princesa griega. Shorter co-creó la obra con la libretista Esperanza Spalding y el escenógrafo Frank Gehry. La obra fusionaba temas de jazz y clásicos y se estrenó en Nueva York a finales de 2021. Al año siguiente, Candid publicó Live at the Detroit Jazz Festival. Grabado en el evento de 2017, presentaba a Shorter en un cuarteto único que incluía a la baterista Terri Lyne Carrington, la bajista/vocalista Esperanza Spalding y el pianista argentino Leo Genovese. Fue el último disco que Shorter publicó en vida, ya que falleció en marzo de 2023 a la edad de 89 años.


wayneshorter.com ...


VA • Blue Note Rare Grooves

 



Brother Jack McDuff, Candido, Donald Byrd, Elvin Jones, Jimmy McGriff, John Patton, Larry Young, Reuben Wilson, Richard ''Groove'' Holmes, Stanley Turrentine. 








Saturday, July 25, 2026

Hank Jones • Upon Reflection

 

 



Out of print in the U.S. 1994 release from the Jazz piano great finds Hank, alongside George Mraz and brother Elvin, paying tribute to his younger brother, the late trumpeter Thad Jones. 10 tracks including 'Thad's Pad', 'Lady Luck' and 'Mean What You Say'.
Get your hands on this CD Jazz lovers. It is a monstrously magical moment with three great masters of this art form. The eldest of the 3 brothers from Pontiac, brother Hank is at the piano, with baby brother Elvin (he who changed the way all modern drummers approach the instrument) on drums playing brushes as only Elvin can, playing the compositions of their dearly departed brother Thad, with George Mraz, the bassist from Thad's legendary Big Band. The brotherly love is palpable, and the playing par excellence!

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Agotado en los Estados Unidos, el lanzamiento de 1994 del gran pianista de jazz encuentra a Hank, junto con George Mraz y su hermano Elvin, rindiendo homenaje a su hermano menor, el difunto trompetista Thad Jones. 10 temas que incluyen 'Thad's Pad', 'Lady Luck' y 'Mean What You Say'.
Hazte con este CD para los amantes del jazz. Es un momento monstruosamente mágico con tres grandes maestros de este arte. El mayor de los 3 hermanos de Pontiac, el hermano Hank, está al piano, con el hermano pequeño Elvin (el que cambió la forma en que todos los bateristas modernos se acercan al instrumento) a la batería tocando las escobillas como sólo Elvin puede hacerlo, tocando las composiciones de su querido hermano fallecido Thad, con George Mraz, el bajista de la legendaria Big Band de Thad. El amor fraternal es palpable, ¡y la interpretación por excelencia!


Colaborador / Contributor: peer57


Saturday, July 11, 2026

John Coltrane • A Love Supremeː Live In Seattle

 

 



Review
by Thom Jurek  
Recorded at the Penthouse Club on October 2, 1965, A Love Supreme: Live in Seattle sat in the archive of musician/educator Joe Brazil (he played flute on John Coltrane's OM, recorded the day before) for 55 years. Five years after Brazil's death in 2008, family friend Steve Griggs discovered two 1/4" reels containing this performance. This is only the second complete concert performance of A Love Supreme to see the light of day; the other is from a July 1965 concert in Antibes. The saxophonist's quartet with McCoy Tyner, Elvin Jones, and Jimmy Garrison was nearing its end; they were already augmented by bassist Donald Garrett and saxophonist Pharoah Sanders. Rounding out this septet is alto saxophonist Carlos Ward, who was invited to sit in that day. Brazil used an Akai reel-to-reel tape recorder and two microphones. While the drums sound a bit hot in places, and 'Trane goes off-mic occasionally, the sound is quite good. This performance almost doubles the length of the studio album and is 20 minutes longer than Antibes. In addition to the suite's four movements -- "Acknowledgement," "Resolution," "Pursuance," and "Psalm" -- are four improvised solo interludes.

Opener "Acknowledgement" is nearly 22 minutes long. Other than Coltrane's familiar flutter on the thematic introduction, this piece is almost unrecognizable for 15 minutes. The interplay between bassists is canny. Garrett uses a bow while Garrison strums chords, and Tyner offers chordal counterpoint as Jones double-times on ride cymbals. Coltrane and Sanders trade solo spaces with Ward interjecting tentative bursts. The four-note theme isn't really heard until minute 16. The vocal chant is absent, replaced by bass and percussive themes that lead into the first interlude, a short shared bass and percussion solo. "Resolution" emerges with Coltrane stating the theme briefly. Tyner enters, expands the frame, and signals Ward in. Initially uncertain, he adds sparse, dissonant notes and flurries for a few moments and then grabs onto the rhythm section's tough modal swing and rips the tune wide open with a killer solo, followed by Sanders and Coltrane blazing scorching trails through the tune. After a six-minute drum solo interlude, "Pursuance" begins with Coltrane stating the theme, then Sanders breaks it into pieces with a long, labyrinthine, and furious solo. Tyner supports with sharp, chromatic asides before taking his own long, imaginative solo and dueling with the bassists and Jones. Coltrane doesn't solo at all. "Psalm," with its trademark bluesy tenor intro, stays closest to the studio recording. Coltrane takes only a minute to begin ascending but fades before he reaches a peak as Tyner and Jones envelop him. Coltrane begins rebuilding the tune, reaches an inner pinnacle, then dissembles it again amid bowed basses, Tyner's sparse middle register, and Sanders' Tibetan prayer bells. The audience responds with stunned silence for a few seconds. It's a startling performance. The package design is simply stellar and the liner essays by critic/historian Ashley Kahn and Coltrane biographer Lewis Porter are educational, authoritative, and indispensable.
https://www.allmusic.com/album/a-love-supreme-live-in-seattle-mw0003586098?1660662822833

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Reseña
por Thom Jurek  
Grabado en el Penthouse Club el 2 de octubre de 1965, A Love Supreme: Live in Seattle permaneció en el archivo del músico/educador Joe Brazil (tocó la flauta en el OM de John Coltrane, grabado el día anterior) durante 55 años. Cinco años después de la muerte de Brazil, en 2008, un amigo de la familia, Steve Griggs, descubrió dos bobinas de 1/4" que contenían esta actuación. Se trata de la segunda interpretación completa en concierto de A Love Supreme que ve la luz; la otra es de un concierto de julio de 1965 en Antibes. El cuarteto del saxofonista con McCoy Tyner, Elvin Jones y Jimmy Garrison se acercaba a su fin; ya se les había añadido el bajista Donald Garrett y el saxofonista Pharoah Sanders. Completa este septeto el saxofonista alto Carlos Ward, que fue invitado a participar ese día. Brasil utilizó una grabadora de carrete Akai y dos micrófonos. Aunque la batería suena un poco caliente en algunas partes, y 'Trane se sale del micrófono ocasionalmente, el sonido es bastante bueno. Esta interpretación casi duplica la duración del álbum de estudio y es 20 minutos más larga que Antibes. Además de los cuatro movimientos de la suite - "Acknowledgement", "Resolution", "Pursuance" y "Psalm"-, hay cuatro interludios improvisados en solitario.

El primer movimiento, "Acknowledgement", dura casi 22 minutos. Aparte del familiar aleteo de Coltrane en la introducción temática, esta pieza es casi irreconocible durante 15 minutos. La interacción entre los bajistas es astuta. Garrett utiliza un arco mientras Garrison rasguea acordes, y Tyner ofrece un contrapunto de acordes mientras Jones hace doblete con los platillos. Coltrane y Sanders intercambian espacios en solitario con Ward interviniendo con ráfagas tentativas. El tema de cuatro notas no se escucha realmente hasta el minuto 16. El canto vocal está ausente, sustituido por temas de bajo y percusión que conducen al primer interludio, un breve solo compartido de bajo y percusión. "Resolution" surge con Coltrane enunciando el tema brevemente. Tyner entra, amplía el marco y hace una señal a Ward. Inicialmente inseguro, añade notas dispersas y disonantes y ráfagas durante unos momentos y luego se aferra al duro swing modal de la sección rítmica y abre la melodía de par en par con un solo asesino, seguido por Sanders y Coltrane abriendo sendas abrasadoras a través de la melodía. Tras un interludio de seis minutos con un solo de batería, "Pursuance" comienza con Coltrane exponiendo el tema, y luego Sanders lo rompe en pedazos con un largo, laberíntico y furioso solo. Tyner le apoya con agudos y cromáticos asideros antes de tomar su propio largo e imaginativo solo y batirse en duelo con los bajistas y Jones. Coltrane no hace ningún solo. "Psalm", con su característica introducción de tenor blues, es lo más parecido a la grabación de estudio. Coltrane tarda sólo un minuto en empezar a ascender, pero se desvanece antes de alcanzar un pico mientras Tyner y Jones le envuelven. Coltrane comienza a reconstruir la melodía, alcanza un pináculo interior y luego vuelve a disolverla entre bajos con arco, el escaso registro medio de Tyner y las campanas de oración tibetanas de Sanders. El público responde con un silencio atónito durante unos segundos. Es una actuación sorprendente. El diseño del paquete es simplemente estelar y los ensayos del crítico/historiador Ashley Kahn y del biógrafo de Coltrane Lewis Porter son educativos, autorizados e indispensables.
https://www.allmusic.com/album/a-love-supreme-live-in-seattle-mw0003586098?1660662822833


www.johncoltrane.com ...


Monday, July 6, 2026

McCoy Tyner • McCoy Tyner Plays Ellington

 



It is to McCoy Tyner’s great credit that his career after John Coltrane has been far from anti-climatic. Along with Bill Evans, Tyner has been the most influential pianist in jazz of the past 50 years, with his chord voicings being adopted and utilized by virtually every younger pianist. A powerful virtuoso and a true original (compare his playing in the early ’60s with anyone else from the time), Tyner (like Thelonious Monk) has not altered his style all that much from his early days but he has continued to grow and become even stronger.

Tyner grew up in Philadelphia, where Bud Powell and Richie Powell were neighbors. As a teenager he gigged locally and met John Coltrane. He made his recording debut with the Art Farmer-Benny Golson Jazztet, but after six months left the group to join Coltrane in what (with bassist Jimmy Garrison and drummer Elvin Jones) would become the classic quartet. Few other pianists of the period had both the power and the complementary open-minded style to inspire Coltrane, but Tyner was never overshadowed by the innovative saxophonist. During the Coltrane years (1960-1965), the pianist also led his own record dates for Impulse.

After leaving Coltrane, Tyner struggled for a period, working as a sideman (with Ike and Tina Turner, amazingly) and leading his own small groups; his recordings were consistently stimulating even during the lean years. After he signed with Milestone in 1972, Tyner began to finally be recognized as one of the greats, and he has never been short of work since. Although there have been occasional departures (such as a 1978 all-star quartet tour with Sonny Rollins and duo recordings with Stephane Grappelli), Tyner has mostly played with his own groups since the ’70s, which have ranged from a quartet with Azar Lawrence and a big band to his trio. In the ’80s and ’90s, Tyner did the rounds of labels (his old homes Blue Note and Impulse! as well as Verve, Enja, and Milestone) before settling in with Telarc in the late ’90s and releasing a fine series of albums including 2000’s Jazz Roots: McCoy Tyner Honors Jazz Piano Legends of the 20th Century and 2004’s Illuminations. In 2007, Tyner returned with the studio album McCoy Tyner Quartet featuring saxophonist Joe Lovano, bassist Christian McBride, and drummer Jeff “Tain” Watts. ~ Scott Yanow

After signing with Telarc, he recorded with several trios that included Charnett Moffett on bass and Al Foster on drums. In 2008, he toured with a quartet of Gary Bartz, Gerald L. Cannon, and Eric Kamau Gravatt.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed McCoy Tyner among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

On March 6, 2020, Tyner died at his home in northern New Jersey, at the age of 81. No other details were provided.

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Es un gran mérito de McCoy Tyner que su carrera después de John Coltrane no haya sido ni mucho menos anticlimática. Junto con Bill Evans, Tyner ha sido el pianista más influyente en el jazz de los últimos 50 años, y sus voces de acordes han sido adoptadas y utilizadas por prácticamente todos los pianistas jóvenes. Un virtuoso poderoso y un verdadero original (comparen su forma de tocar a principios de los 60 con cualquier otro de la época), Tyner (como Thelonious Monk) no ha alterado mucho su estilo desde sus comienzos, pero ha seguido creciendo y haciéndose aún más fuerte.

Tyner creció en Filadelfia, donde Bud Powell y Richie Powell eran vecinos. En su adolescencia, se presentó en la ciudad y conoció a John Coltrane. Hizo su debut discográfico con el Art Farmer-Benny Golson Jazztet, pero después de seis meses dejó el grupo para unirse a Coltrane en lo que (con el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones) se convertiría en el cuarteto clásico. Pocos otros pianistas de la época tenían tanto el poder como el estilo complementario de mente abierta para inspirar a Coltrane, pero Tyner nunca fue eclipsado por el saxofonista innovador. Durante los años de Coltrane (1960-1965), el pianista también dirigió sus propias fechas de grabación para Impulse.

Después de dejar Coltrane, Tyner luchó durante un período, trabajando como sideman (con Ike y Tina Turner, sorprendentemente) y dirigiendo sus propios grupos pequeños; sus grabaciones fueron constantemente estimulantes incluso durante los años de escasez. Después de firmar con Milestone en 1972, Tyner comenzó a ser finalmente reconocido como uno de los grandes, y nunca le ha faltado trabajo desde entonces. Aunque ha habido algunas salidas ocasionales (como una gira del cuarteto de estrellas en 1978 con Sonny Rollins y grabaciones en dúo con Stéphane Grappelli), Tyner ha tocado sobre todo con sus propios grupos desde los años 70, que han ido desde un cuarteto con Azar Lawrence y una gran banda hasta su trío. En los 80 y 90, Tyner hizo las rondas de sellos discográficos (sus viejos hogares Blue Note e Impulse! así como Verve, Enja, y Milestone) antes de establecerse con Telarc a finales de los 90 y lanzar una buena serie de álbumes incluyendo 2000's Jazz Roots: McCoy Tyner honra a las leyendas del piano de jazz del siglo XX y a los Illuminations de 2004. En 2007, Tyner regresó con el álbum de estudio McCoy Tyner Quartet con el saxofonista Joe Lovano, el bajista Christian McBride y el baterista Jeff "Tain" Watts. ~ Scott Yanow

Después de firmar con Telarc, grabó con varios tríos que incluían a Charnett Moffett en el bajo y Al Foster en la batería. En 2008, realizó una gira con un cuarteto de Gary Bartz, Gerald L. Cannon y Eric Kamau Gravatt.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a McCoy Tyner en la lista de cientos de artistas cuyo material, según se informó, fue destruido en el incendio del Universal en 2008.

El 6 de marzo de 2020, Tyner murió en su casa en el norte de Nueva Jersey, a la edad de 81 años. No se dieron más detalles.







mccoytyner.com ...


Thursday, June 25, 2026

Elek Bacsik • I Love You



Elek Bacsik (22 May 1926 – 14 February 1993) was a Hungarian-born American jazz violinist and guitarist.
Bacsik was born in Budapest, the son of Arpad Bacsik and Erzsebet Pocsi. He was of Romani ethnicity and studied violin at the Budapest Conservatory, but found his primary musical inspiration in bebop pioneers Dizzy Gillespie and Charlie Parker. He was also the cousin of Django Reinhardt. In his early years he travelled as a musician to Lebanon, Spain, Portugal and Italy. He worked in Paris in the early 1960s and recorded with some well known French musicians such as Jeanne Moreau, Serge Gainsbourg and Claude Nougaro as well as making solo albums. In 1966, he went to work and live in the United States and played at Las Vegas. Bacsik recorded on guitar on Gillespie's Dizzy on the French Riviera (1962) and later appeared on violin with Gillespie at the Newport Jazz Festival in 1974. His bebop violin playing is featured on his two albums as a leader, I Love You (1974) and Bird and Dizzy: A Musical Tribute (1975).

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 Elek Bacsik (22 de mayo de 1926 - 14 de febrero de 1993) fue un violinista y guitarrista de jazz americano nacido en Hungría.
Bacsik nació en Budapest, hijo de Arpad Bacsik y Erzsebet Pocsi. De etnia romaní, estudió violín en el Conservatorio de Budapest, pero encontró su principal inspiración musical en los pioneros del bebop Dizzy Gillespie y Charlie Parker. También era primo de Django Reinhardt. En sus primeros años viajó como músico al Líbano, España, Portugal e Italia. Trabajó en París a principios de la década de 1960 y grabó con algunos músicos franceses muy conocidos como Jeanne Moreau, Serge Gainsbourg y Claude Nougaro, además de hacer álbumes en solitario. En 1966, se fue a trabajar y a vivir a los Estados Unidos y tocó en Las Vegas. Bacsik grabó con la guitarra en Dizzy on the French Riviera de Gillespie (1962) y más tarde apareció en el violín con Gillespie en el Festival de Jazz de Newport en 1974. Su violín bebop aparece en sus dos álbumes como líder, I Love You (1974) y Bird and Dizzy: A Musical Tribute (1975).


Saturday, June 20, 2026

Bobby Jaspar • Clarinescapade

 

 



Bobby Jaspar was a young Belgian tenor saxophonist and flautist who arrived in New York in April 1956. His reputation in Europe was considerable, but he was practically unknown in the States. Nonetheless, when trombonist J.J. Johnson engaged Bobby for his newly formed quintet, he finally achieved the recognition he deserved. From that moment on, he enjoyed great success, winning Down Beats critics poll award in the New Star Tenor Sax category during the summer of 1956.

These recordings were made on three dates during the fall of that same year. The music is varied in theme and mood, and Jaspar, as well as performing on tenor sax, clarinet and flute, displays a musical expression entirely his own, playing with a great deal of warmth and imagination. All the other jazzmen participating in these sessions offer him stimulating and intelligent support, with Tommy Flanagans usual imaginative strength and the impressive musical inventiveness and skills of Elvin Jones and Eddie Costa among the most valuable elements of the consistently cohesive playing evident here.




Press reviews
"Belgian multi-instrumentalist Bobby Jaspar was hitting his stride in 1956, with great recognition in Europe and a budding reputation in the U.S. via his membership in the J.J. Johnson combo.

This CD, a Fresh Sound compilation derived from French Columbia Records LP and EP releases, shows why he was a well-liked and respected cool-to-bop post-Lester Young-influenced tenor saxophonist. The seven tracks where he emphasizes tenor show him breaking away from his influences and exercising voicings of his own, quite similar at that time to peers Stan Getz and Zoot Sims. He ably extrapolates on melodies of the standards "How Deep Is the Ocean" and "I Remember You," and Johnson's hard bopper "Wee Dot," while circling the wagons around the line in an unusual rendition of "I Won't Dance." His fluidity and innate melodic sense are impeccable. The numbers on flute, "Tutti Flutti" and "In a Little Provincial Town," also demonstrate his abilities as a composer, the former bright and sunny with clean unison playing astride masterful Detroit pianist Tommy Flanagan, the latter a near third stream ballad with shining, shimmering modal voicings courtesy of Barry Galbraith. The opener is the title track, a nice bop romp on clarinet, the only tune where he plays the black woodwind, making the title of the CD misleading. Drummer Elvin Jones cements the Detroit connection on the first eight tracks in a more popping, heady, restrained (for him) rhythmic fashion, and it's a rare chance to hear the legendary Nabil Totah on bass in an extended setting.

The first ten tracks (eight by quintet and two by quartet formations) were originally on LP, and the last two bop quintet numbers were on EP only. One always wonders if the Manny Albam counterpoint-infused composition "They Lock Alike" was/is misspelled. Shouldn't it be "They Look Alike?" At any rate, this is a first-class date from unsung jazz hero Jaspar, sonically a very well-recorded and remastered effort, and highly recommended."
Michael G. Nastos -All Music Guide
https://www.freshsoundrecords.com/bobby-jaspar-albums/4766-clarinescapade.html

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Bobby Jaspar era un joven saxofonista tenor y flautista belga que llegó a Nueva York en abril de 1956. Su reputación en Europa era considerable, pero era prácticamente desconocido en Estados Unidos. Sin embargo, cuando el trombonista J.J. Johnson contrató a Bobby para su quinteto recién formado, finalmente alcanzó el reconocimiento que merecía. A partir de ese momento, disfrutó de un gran éxito, ganando el premio de la encuesta de los críticos de Down Beats en la categoría de Saxo Tenor Nueva Estrella durante el verano de 1956.

Estas grabaciones se realizaron en tres fechas durante el otoño de ese mismo año. La música es variada en cuanto a temas y estados de ánimo, y Jaspar, además de tocar el saxo tenor, el clarinete y la flauta, muestra una expresión musical totalmente propia, tocando con mucha calidez e imaginación. Todos los demás jazzistas que participan en estas sesiones le ofrecen un apoyo estimulante e inteligente, con la habitual fuerza imaginativa de Tommy Flanagans y la impresionante inventiva musical y las habilidades de Elvin Jones y Eddie Costa, entre los elementos más valiosos de la coherente interpretación que se pone de manifiesto aquí.




Críticas de la prensa
"El multiinstrumentista belga Bobby Jaspar estaba en pleno apogeo en 1956, con un gran reconocimiento en Europa y una incipiente reputación en los Estados Unidos a través de su pertenencia al combo J.J. Johnson.

Este CD, una compilación de Fresh Sound derivada de los lanzamientos de LP y EP de Columbia Records en Francia, muestra por qué era un saxofonista tenor muy querido y respetado en el cool-to-bop posterior a la influencia de Lester Young. Los siete temas en los que hace hincapié en el tenor le muestran desmarcándose de sus influencias y ejerciendo voicings propios, bastante similares en aquella época a los de sus compañeros Stan Getz y Zoot Sims. Extrapola hábilmente las melodías de los estándares "How Deep Is the Ocean" y "I Remember You", y el hard bopper de Johnson "Wee Dot", mientras da vueltas a la línea en una inusual interpretación de "I Won't Dance". Su fluidez y sentido melódico innato son impecables. Los números en flauta, "Tutti Flutti" y "In a Little Provincial Town", también demuestran sus habilidades como compositor, el primero brillante y soleado con una interpretación limpia al unísono a horcajadas del magistral pianista de Detroit Tommy Flanagan, el segundo una balada casi de tercera corriente con brillantes y relucientes voicings modales cortesía de Barry Galbraith. El tema que abre el disco es el que da título al disco, un bonito juego de bop con el clarinete, el único tema en el que toca el viento negro, lo que hace que el título del CD sea engañoso. El baterista Elvin Jones consolida la conexión con Detroit en los primeros ocho temas de una forma rítmica más pop, embriagadora y contenida (para él), y es una rara oportunidad de escuchar al legendario Nabil Totah al bajo en un entorno extenso.

Los diez primeros temas (ocho de quinteto y dos de cuarteto) se editaron originalmente en LP, y los dos últimos números de quinteto de bop sólo en EP. Uno siempre se pregunta si la composición con contrapunto de Manny Albam "They Lock Alike" estaba/está mal escrita. ¿No debería ser "They Look Alike"? En cualquier caso, esta es una cita de primera clase del héroe del jazz no reconocido Jaspar, sonoramente un esfuerzo muy bien grabado y remasterizado, y muy recomendable."
Michael G. Nastos -All Music Guide
https://www.freshsoundrecords.com/bobby-jaspar-albums/4766-clarinescapade.html


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Thursday, June 18, 2026

John Coltrane • Both Directions At Once, The Lost Album



The newly discovered, unreleased album from 1963 featuring the “classic quartet” finds the jazz giant thrillingly caught between shoring up and surging forth.
From April 1962 to September 1965, while under contract to the record label Impulse!, John Coltrane led a more or less consistent working group with the same four musicians. After his death in 1967, this group—Coltrane on tenor and soprano saxophone, McCoy Tyner on piano, Jimmy Garrison on bass, Elvin Jones on drums—became known as Coltrane’s “classic quartet.” The group was powerful, elegant, and scarily deep. It was also a well-proportioned framing device. It made an artist with great ambitions easier to understand.

It is possible to hear conviction and morality in some of the classic quartet’s best-known music—like the devotional A Love Supreme, recorded in late 1964—as clearly as you can hear melody or rhythm. As a consequence, all of it can appear set on one venerable plane. As it moves inexorably from ballads, blues, and folk songs into abstraction, the classic-quartet corpus can seem an index not only for the range of acoustic jazz but for possibly how to live, gathered and contained, as if it were always there. But the corpus is only what we have been given to hear. And then one day a closet door flies open, a stack of tapes fall out, and a dilemma begins.

A fair amount of Coltrane’s music has been released after the fact, but nothing that would seem, from a distance, quite so canonical as Both Directions At Once, which is 90 minutes worth of (mostly) previously unheard recordings made at Rudy Van Gelder’s studio on March 6, 1963—the middle of the classic-quartet period. The Van Gelder studio, in Englewood Cliffs, New Jersey, can be considered part of the framing device. It was where the group did nearly all its studio work. For reasons of acoustics, it had a 39-foot-high, cathedral-like, vaulted wooden ceiling, fabricated by the same Oregon lumber company that made blimp hangars during World War II. Coltrane’s music during that period, possibly encouraged by the cathedral-like room, became blimpier and churchier.

Why have we not heard these tapes before? It’s hard to imagine that they could have been blithely ignored or forgotten. The 2018 answer is that mono audition reels of the session were only recently found in the possession of the family of Coltrane’s first wife, Juanita Naima Coltrane. (Impulse! didn’t have the music; the label’s master tapes may have been lost in a company move from New York to Los Angeles.) The 1963 answer is unknown, and probably more complicated.

Coltrane’s contract with Impulse! called for two records a year. Whether that day’s work in March was to be conceived at the time as a whole album, or most of one, is uncertain. The extent to which you believe the record’s subtitle—The Lost Album—might be the extent to which you are excited by the news of Both Directions. I can’t quite do it, but there are other reasons to be excited.

It may be hard to hear as a coherent album for back then, though it is easy to hear it as one for now, in our current, expanded notion of what an album is. The music does not seem, in its context, to be a full step forward. It’s a little caught between shoring up and surging forth. (The after-the-fact title—alluding to a conversation Coltrane had with Wayne Shorter about the possibility of improvising as if starting a sentence in the middle, moving backward and forward simultaneously—helps turn a possible liability into a strength.) It can give you new respect for the rigor, compression, and balance of some of his other albums from the period. It is at times, as Coltrane’s son Ravi pointed out, surprisingly like a live session in a studio; parts of the music sound geared toward a captive audience. That may be the best thing about it.

Included on the album—which comes either as a single-disc version or a double-disc with alternate takes, both including extensive liner notes by historian Ashley Kahn—is a sunny, bright-tempo melody (the theme from “Vilia,” written by the Hungarian composer Franz Lehár for the operetta The Merry Widow); a downtempo, minor-key, semi-standard (“Nature Boy,” from the book of eden ahbez, the California proto-hippie songwriter); one of Coltrane’s best original lines, in four different takes (“Impressions,” which he’d been working out in concert for several years); a couple of pieces for soprano saxophone which are representative but not stunning (“Untitled Original 11383,” minor-key and modal, and “Untitled Original 11386,” with a pentatonic melody); “One Up, One Down,” a short, wily theme as a pretext for eight minutes of hard-and-fast jamming; and “Slow Blues,” about which more in a minute.

Coltrane was already building albums from disparate sessions, a practice that would soon yield 1963’s Impressions and Live at Birdland, two records that set live and studio tracks side by side. He may have been stockpiling without a clear purpose; he also had to consider what would sell. Since his recording of “My Favorite Things” in 1961—a hit by jazz terms—Coltrane had become recognizable. His subsequent working relationship with Bob Thiele, the head of Impulse!, was based on the notion that he could expand that audience, not shrink it. Six months before the Both Directions session, he’d made a record with Duke Ellington; the day after it, he’d make another with the singer Johnny Hartman. He was entering the popular artist’s paradox of striving to repeat a past success and trying not to run aground on retreads.

The sense of strength and inevitability we associate with Coltrane’s music didn’t just tumble out. It was likely a byproduct of diligence, restlessness, exhausted possibilities, obsession and counter-obsession. He thought about progress. He passed through serial phases of exploring harmonic sequences, modes, and multiple rhythms; when he acknowledged one phase in an interview, he was generally looking for the next. At the height of the classic quartet, he often didn’t have the time or psychic space for study and practice. “I’m always walking around trying to keep my ear open for another ‘Favorite Things’ or something,” he told the writer Ralph Gleason in May, 1961. “I can’t get in the woodshed like I used to. I’m commercial, man.” More: “I didn’t have to worry about it, you know, making a good record, because that wasn’t important. Maybe I should just go back in the woodshed and just forget it.” At the time, a record like Both Directions might have seemed an open admission that he could have used less worry and more woodshed.

What he meant by “another ‘Favorite Things’” might have been a similar act of counterintuition: a sweet, sentimental tune made paranormal, a curiosity that could break out beyond the normal jazz audience and anchor a hit record. If “Vilia” was intended for that role, it isn’t strong enough. “Impressions,” on Both Directions, in its first known studio recording—especially take 3—sounds sublimely focused. But I’m not sure Coltrane plays it here any better than he did sixteen months earlier at the Village Vanguard, the live version he’d choose later in 1963 when finally issuing the tune, on the record of that name. (It’s complicated, I know.)

“Slow Blues” is the one. There is no narrative here, as there sometimes was with Coltrane’s originals; it is not expressly about love or hardship or religious joy. But Coltrane turns himself inside-out. First, he phrases in bare, hesitant strokes, using negative space; then he begins to whip phrases around, repeating them up and down the horn in rapid, shinnying patterns, reaching for inexpressible sounds, getting ugly. (McCoy Tyner’s solo, directly following Coltrane’s, is tidy and elegant, thorough in its own radically contrasting way.) There is the idea of the “new,” and then there is something like this track, which transcends the burden of newness.

I imagine three possible problems someone might have had with putting “Slow Blues” on a record in 1963. One is that, at 11 and a half minutes, it would have taken up a third of the record. Two is that a long blues probably wouldn’t be properly commercial unless there was some sort of story attached to it. And three is that, as was the case with “Impressions,” “Slow Blues” doesn’t explicitly show progress. Hear Coltrane on the long, slow “Vierd Blues” from the Sutherland Hotel in Chicago in 1961. It’s not great sound quality, but it is great in every other way. “Slow Blues” grows from the same root. It’s no “better,” really, but it’s better to have more of it, and better recorded. It is possible to take in Both Directions At Once, some of it middling by Coltrane’s standards and some of it extraordinary by anyone’s, without much thought about sellability or progress. In an ideal case, both qualities are overrated anyway. This is an ideal case.
by Ben Ratliff
June 30 2018

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El álbum recién descubierto, inédito de 1963 con el "cuarteto clásico" encuentra al gigante del jazz sorprendentemente atrapado entre apuntalar y salir adelante.
Desde abril de 1962 hasta septiembre de 1965, mientras estaba bajo contrato con el sello discográfico Impulse, John Coltrane dirigió un grupo de trabajo más o menos consistente con los mismos cuatro músicos. Después de su muerte en 1967, este grupo —Coltrane en el tenor y el saxofón soprano, McCoy Tyner en el piano, Jimmy Garrison en el bajo, Elvin Jones en la batería— se conoció como el "clásico cuarteto" de Coltrane. El grupo era poderoso, elegante y extremadamente profundo. . También era un dispositivo de encuadre bien proporcionado. Hizo un artista con grandes ambiciones más fácil de entender.

Es posible escuchar la convicción y la moralidad en algunas de las músicas más conocidas del cuarteto clásico, como el devocional A Love Supreme, grabado a fines de 1964, tan claramente como se puede escuchar la melodía o el ritmo. Como consecuencia, todo esto puede aparecer en un plano venerable. A medida que se mueve inexorablemente de baladas, blues y canciones populares a la abstracción, el corpus del cuarteto clásico puede parecer un índice no solo para el rango del jazz acústico sino también para cómo vivir, reunirse y contenerse, como si siempre estuviera ahí. Pero el corpus es solo lo que se nos ha dado para escuchar. Y luego, un día, una puerta de un armario se abre de golpe, una pila de cintas se cae y comienza un dilema.

Una buena cantidad de la música de Coltrane ha sido lanzada después del hecho, pero nada que parezca, a la distancia, tan canónico como Both Directions At Once, que equivale a 90 minutos de grabaciones nunca antes escuchadas en el estudio de Rudy Van Gelder. el 6 de marzo de 1963, la mitad del período del cuarteto clásico. El estudio Van Gelder, en Englewood Cliffs, Nueva Jersey, puede considerarse parte del dispositivo de enmarcado. Fue donde el grupo hizo casi todo su trabajo de estudio. Por razones acústicas, tenía un techo de madera abovedado, similar a una catedral, de 39 pies de altura, fabricado por la misma compañía de madera de Oregón que hizo hangares dirigibles durante la Segunda Guerra Mundial. La música de Coltrane durante ese período, posiblemente alentada por una sala con forma de catedral, se volvió más débil y más eclesiástica.

¿Por qué no hemos escuchado estas cintas antes? Es difícil imaginar que podrían haber sido ignorados u olvidados alegremente. La respuesta de 2018 es que los carretes de audición mono de la sesión solo se encontraron recientemente en posesión de la familia de la primera esposa de Coltrane, Juanita Naima Coltrane. (¡Impulse! No tenía la música; es posible que las cintas maestras de la discográfica se hayan perdido en un cambio de compañía de Nueva York a Los Ángeles). La respuesta de 1963 es desconocida, y probablemente más complicada.

¡El contrato de Coltrane con Impulse! pidió dos registros al año. Si el trabajo de ese día en marzo se iba a concebir en el momento como un álbum completo, o la mayoría de uno, es incierto. La medida en que creas en el subtítulo del disco, The Lost Album (Álbum perdido), podría ser la medida en que estés emocionado por las noticias de Both Directions No puedo hacerlo, pero hay otras razones para estar emocionado.

Puede ser difícil escucharlo como un álbum coherente para ese entonces, aunque es fácil escucharlo como uno por ahora, en nuestra noción actual y ampliada de qué es un álbum. La música no parece, en su contexto, ser un paso adelante. Está un poco atrapado entre apuntalar y surgir. (El título posterior al hecho, aludiendo a una conversación que Coltrane tuvo con Wayne Shorter sobre la posibilidad de improvisar como si comenzara una oración en el medio, moviéndose hacia atrás y hacia adelante simultáneamente) ayuda a convertir una posible responsabilidad en una fortaleza. le dará un nuevo respeto por el rigor, la compresión y el equilibrio de algunos de sus otros álbumes de la época. Es a veces, como señaló el hijo de Coltrane, Ravi, sorprendentemente como una sesión en vivo en un estudio; partes de la música suenan dirigidas a un público cautivo. Eso puede ser lo mejor de esto.

Incluido en el álbum, que viene ya sea como una versión de un solo disco o como un disco doble con tomas alternativas, ambas con extensas notas de la historiadora Ashley Kahn, es una melodía brillante y de tempo brillante (el tema de "Vilia", escrito del compositor húngaro Franz Lehár para la opereta The Merry Widow); un tempo descendente, de menor importancia, semi-estándar ("Nature Boy", del libro de Eden Ahbez, el compositor de canciones proto-hippie de California); una de las mejores líneas originales de Coltrane, en cuatro tomas diferentes ("Impresiones", que había estado trabajando en concierto durante varios años); un par de piezas para saxofón soprano representativas pero no deslumbrantes ("Untitled Original 11383", de menor importancia y modal, y "Untitled Original 11386", con una melodía pentatónica); "One Up, One Down", un tema corto y astuto como pretexto para ocho minutos de interferencia rápida y dura; y "Slow Blues", sobre que más en un minuto.

Coltrane ya estaba construyendo álbumes a partir de sesiones dispares, una práctica que pronto produciría las Impresiones de 1963 y Live at Birdland, dos discos que se unieron en vivo y pistas de estudio. Él pudo haber estado almacenando sin un propósito claro; También tenía que considerar qué vendería. Desde su grabación de "Mis cosas favoritas" en 1961, un éxito de los términos del jazz, Coltrane se había vuelto reconocible. Su posterior relación laboral con Bob Thiele, el jefe de Impulse !, se basó en la idea de que podía ampliar esa audiencia, no reducirla. Seis meses antes de la sesión de Both Directions, había hecho un disco con Duke Ellington; Al día siguiente, haría otro con el cantante Johnny Hartman. Estaba entrando en la paradoja del artista popular de esforzarse por repetir un éxito pasado y tratar de no encallar en los recauchutados.

La sensación de fuerza e inevitabilidad que asociamos con la música de Coltrane no se desplomó. Probablemente fue un subproducto de diligencia, inquietud, agotadas posibilidades, obsesión y contra obsesión. Pensó en el progreso. Pasó a través de fases seriales de exploración de secuencias armónicas, modos y ritmos múltiples; cuando reconoció una fase en una entrevista, generalmente buscaba la siguiente. En el apogeo del cuarteto clásico, a menudo no tenía tiempo ni espacio psíquico para estudiar y practicar. "Siempre ando por ahí tratando de mantener mi oído abierto para otras" Cosas favoritas "o algo así", le dijo al escritor Ralph Gleason en mayo de 1961. "No puedo meterme en la leñera como solía hacerlo. Soy comercial, hombre. "Más:" No tenía que preocuparme por eso, ya sabes, hacer un buen registro, porque eso no era importante. Tal vez debería simplemente regresar al cobertizo de madera y olvidarlo ". En ese momento, un registro como Both Directions podría parecer una admisión abierta de que él podría haber usado menos preocupación y más cobertizo de leña.

Lo que quiso decir con "otras" cosas favoritas "" podría haber sido un acto de contraintuición similar: una melodía dulce y sentimental hecha paranormal, una curiosidad que podría ir más allá de la audiencia normal de jazz y anclar un disco exitoso. Si "Vilia" estaba destinado a ese rol, no es lo suficientemente fuerte. "Impresiones", en Both Directions, en su primera grabación de estudio conocida, especialmente en 3, suena con un enfoque sublime. Pero no estoy seguro de que Coltrane juegue aquí mejor que dieciséis meses antes en el Village Vanguard, la versión en vivo que elegiría más tarde en 1963 cuando finalmente emitiera la melodía, en el registro de ese nombre. (Es complicado, lo sé.)

"Slow Blues" es el uno. No hay narrativa aquí, como a veces hubo con los originales de Coltrane; no se trata expresamente de amor, dificultades o alegría religiosa. Pero Coltrane se vuelve del revés. En primer lugar, las frases con movimientos vacíos, vacilantes, con espacio negativo; luego comienza a dar vueltas a las frases, repitiéndolas arriba y abajo de la bocina en patrones rápidos y brillantes, alcanzando sonidos inexpresables, volviéndose feos. (El solo de McCoy Tyner, siguiendo directamente a Coltrane, es ordenado y elegante, completo en su propia manera de contraste radical). Existe la idea de lo "nuevo", y luego hay algo como esta pista, que trasciende la carga de la novedad.

Me imagino tres posibles problemas que alguien podría haber tenido al poner "Slow Blues" en un registro en 1963. Uno es que, a los 11 minutos y medio, habría ocupado un tercio del registro. Dos es que un blues largo probablemente no sería comercialmente correcto a menos que hubiera algún tipo de historia adjunta. Y tres es que, como fue el caso con "Impresiones", "Slow Blues" no muestra explícitamente el progreso. Escuche a Coltrane en el largo y lento "Vierd Blues" del Sutherland Hotel en Chicago en 1961. No es una gran calidad de sonido, pero es excelente en todos los sentidos. "Slow Blues" crece de la misma raíz. No es un "mejor", realmente, pero es mejor tener más de él y estar mejor grabado. Es posible tomar en ambas direcciones a la vez, una parte de la cual se encuentra en medio de los estándares de Coltrane y otra extraordinaria por parte de cualquiera, sin pensar mucho en la posibilidad de aprobación o el progreso. En un caso ideal, ambas cualidades están sobrevaloradas de todos modos. Este es un caso ideal.
by Ben Ratliff
June 30 2018


Discogs ...


Tuesday, June 9, 2026

Larry Young • Into Somethin'



While most practitioners of the instrument have followed closely on the heels of Jimmy Smith, on Into Somethin', Larry Young demonstrates his unique horn-like approach to melody. With the help of Sam Rivers (saxophone), Grant Green (guitar), and Elvin Jones (drums), Young puts forth a swinging collection of tunes that isn't particularly drenched in the traditional gospel/soul sound usually produced by an organ ensemble. Instead, this is a crisp, exciting session that, along with Unity, would eventually help make Young one of the legends of the B-3. The effortless waltzing bounce of "Tyrone" opens the set as Rivers and Young glide through the melody while Jones swings intensely in the background. The heavy Latin groove of "Plaza de Toros" sets up some stunning rhythmic interactions between Grant, Young, and Jones. The intricate "Paris Eyes" and the bluesy "Backup" are both excellent swinging numbers that further display Young's non-traditional approach to the instrument and his masterful soloing prowess. Finally, the classic "Ritha" is an exhilarating composition that displays the full wealth of Young's legendary abilities.

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Mientras que la mayoría de los practicantes del instrumento han seguido de cerca los pasos de Jimmy Smith, en Into Somethin', Larry Young demuestra su enfoque único de la melodía, similar al de las trompetas. Con la ayuda de Sam Rivers (saxofón), Grant Green (guitarra), y Elvin Jones (batería), Young presenta una colección de melodías que no está particularmente empapada en el tradicional sonido de gospel/soul que normalmente produce un conjunto de órgano. En su lugar, esta es una sesión nítida y emocionante que, junto con Unity, ayudaría eventualmente a convertir a Young en una de las leyendas del B-3. El rebote de vals sin esfuerzo de "Tyrone" abre el set mientras Rivers y Young se deslizan por la melodía mientras Jones se balancea intensamente en el fondo. El pesado ritmo latino de "Plaza de Toros" establece algunas sorprendentes interacciones rítmicas entre Grant, Young y Jones. Los intrincados "Paris Eyes" y el bluesero "Backup" son ambos excelentes números de swing que muestran aún más el enfoque no tradicional de Young hacia el instrumento y su magistral destreza como solista. Por último, el clásico "Ritha" es una estimulante composición que muestra toda la riqueza de las legendarias habilidades de Young.
 


Sunday, June 7, 2026

Joe Henderson • Inner Urge

 



Review
by Daniel Gioffre
This early recording by Joe Henderson is not only one of the finest of all of his recordings, but is also a high point for 1960s jazz. At this point in his career, Henderson was a full-time member of Horace Silver's combo and did not yet have a steady band in his hire. He is joined on Inner Urge by veterans of other combos: McCoy Tyner and Elvin Jones from John Coltrane's unit and Sonny Rollins sideman Bob Cranshaw. The presence of these luminaries aside, Inner Urge is home to two of Henderson's best (and best-loved) compositions: "Inner Urge" and "Isotope." The leader's solo on the title track is a marvelous thing, full of melody as well as anarchic bursts of sound, which is in perfect keeping with the spirit of the song's probing, searching theme. The other musicians support Henderson nicely as well as turning in some strong solos of their own. Tyner especially sounds fantastic on this record. Although not the equal of the leader in terms of the quality of his lines or the overall sense of composition of his solos, his performance is at least the rival of Henderson's in terms of raw kinetic power. The other great song on "Inner Urge," the Monk-ish "Isotope," is another ideal showcase for Henderson's total command of his instrument. The remaining tracks on Inner Urge are also fantastic, especially the wailing cry of "El Barrio" and the Henderson-altered head to "Night and Day," but the first side, even if taken alone, is by itself enough to guarantee this album as perhaps the best Henderson recorded in his long and illustrious career, and stands easily alongside the best records of the era.
https://www.allmusic.com/album/inner-urge-mw0000200926?1657207832707

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Reseña
por Daniel Gioffre  
Esta temprana grabación de Joe Henderson no sólo es una de las mejores de todas sus grabaciones, sino que también es un punto álgido para el jazz de los años 60. En este punto de su carrera, Henderson era miembro a tiempo completo del combo de Horace Silver y todavía no tenía una banda estable en su alquiler. En Inner Urge le acompañan veteranos de otros combos: McCoy Tyner y Elvin Jones, de la unidad de John Coltrane, y el lateral de Sonny Rollins, Bob Cranshaw. Aparte de la presencia de estas luminarias, Inner Urge alberga dos de las mejores (y más queridas) composiciones de Henderson: "Inner Urge" e "Isotope". El solo del líder en el tema que da título al disco es una maravilla, llena de melodía así como de estallidos anárquicos de sonido, lo que está en perfecta consonancia con el espíritu del tema de búsqueda y sondeo de la canción. Los demás músicos apoyan a Henderson de forma excelente, además de ofrecer algunos sólidos solos propios. Tyner suena especialmente fantástico en este disco. Aunque no está a la altura del líder en cuanto a la calidad de sus líneas o el sentido general de la composición de sus solos, su interpretación es al menos el rival de Henderson en términos de potencia cinética bruta. La otra gran canción de "Inner Urge", "Isotope", de estilo Monk, es otro escaparate ideal para el dominio total de Henderson sobre su instrumento. El resto de los temas de Inner Urge son también fantásticos, especialmente el grito ululante de "El Barrio" y la cabeza alterada de Henderson en "Night and Day", pero la primera cara, incluso si se toma sola, es por sí misma suficiente para garantizar que este álbum es quizás el mejor que Henderson grabó en su larga e ilustre carrera, y se sitúa fácilmente al lado de los mejores discos de la época.
https://www.allmusic.com/album/inner-urge-mw0000200926?1657207832707


www.bluenote.com/artist/joe-henderson ...


Friday, April 10, 2026

Bennie Green • Soul Stirrin'

 



In the 1950s, Blue Note was a reliable bastion of hard bop. Art Blakey and the Jazz Messengers set the tone, and dozens of artists—some famous, some not—followed. But Blue Note also had small oases of not-bop, often by artists you've never heard of.
Bennie Green is one of those guys, and if you haven't heard him, you should. Specifically, you should hear Soul Stirrin'.
This is a bluesy, almost pre-bop record. Green plays trombone, but not in a J.J. Johnson bebop style. Much of Soul Stirrin' generally, and Green's playing in particular, have a swing feel. And much of it is just plain old, straight up blues.
It is an absolute pleasure.
Soul Stirrin' starts with the title song, a slow blues grind. This is soul before it became funky. Green plays fat, emotional blues notes. Pianist Sonny Clark, a Blue Note regular, adds a solo that comes straight from a smoky midnight jazz bar. Saxmen Gene Ammons and Billy Root add their flavors.
Five more songs follow, each different from the last. "We Wanna Cook" strikes a bebop tone—the only song on the album that does—with Ammons (or is it Root?) playing hard and fast in a way that reminds me of Paul Gonsalves' long, legendary solo with Duke Ellington at Newport just two years earlier—funky and almost rocking.
"That's All" is a sweet, beautiful ballad. Green is wonderful—soft and gentle and dreamy. "Lullabye of the Doomed" is, as the title implies, a mournful dirge. Green's trombone weeps, and the saxophones are full of swirling smoke. It reminds me of Miles Davis on "My Funny Valentine," or Ellington's "Mood Indigo." The closer, "Black Pearl," is a happy, lively tune that allows each soloist to shine.
The only downer, and it's a small one, is "B.G. Mambo." The theme is sort of cheesy, though it does give way to seven minutes of very pleasant solos, before returning to the goofy theme.
All in all, Soul Stirrin' is an unexpected pleasure from a jazz man who is largely forgotten. Now that I've discovered Bennie Green, I want to hear more.
Rating: 5 stars (out of 5)
By Marc Davis
August 26, 2015
https://www.allaboutjazz.com/bennie-green-soul-stirrin-1958-bennie-green-by-marc-davis



Review
by Stephen Thomas Erlewine
Soul Stirrin' is an invigorating, exciting date from trombonist Bennie Green, showcasing his wide range of skills. His tone is alternately boisterous and reflective -- the juxtaposition of the wildly swinging "We Wanna Cook" (complete with shouted vocals) and the gentle "That's All" is startling, demonstrating that Green can vary his robust sound according to the occasion. Green's fluid trombone is at the center stage throughout most of Soul Stirrin', but he also steps aside to shine some light on his extraordinary support group -- saxophonists Gene Ammons and Billy Root, pianist Sonny Clark, bassist Ike Isaacs and drummer Elvin Jones. Each musician plays with soul and passion, both on the laidback blues and mambos and the rollicking swing numbers. It's a thoroughly enjoyable record and one that is a good introduction to Green's wonderful, friendly style.
https://www.allmusic.com/album/soul-stirrin-mw0000595873

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En la década de 1950, Blue Note era un bastión fiable del hard bop. Art Blakey y los Jazz Messengers marcaron la pauta, y docenas de artistas -algunos famosos, otros no- les siguieron. Pero Blue Note también tenía pequeños oasis de no-bop, a menudo por artistas de los que nunca has oído hablar.
Bennie Green es uno de ellos, y si no lo ha escuchado, debería hacerlo. En concreto, deberías escuchar Soul Stirrin'.
Es un disco de blues, casi pre-bop. Green toca el trombón, pero no al estilo bebop de J.J. Johnson. Gran parte de Soul Stirrin' en general, y la forma de tocar de Green en particular, tienen un aire swing. Y gran parte es blues puro y duro.
Es un placer absoluto.
Soul Stirrin' comienza con la canción que da título al disco, un blues lento. Esto es soul antes de que se convirtiera en funky. Green toca notas de blues gordas y emotivas. El pianista Sonny Clark, un habitual de Blue Note, añade un solo que viene directamente de un humeante bar de jazz de medianoche. Los saxofonistas Gene Ammons y Billy Root añaden su toque.
Siguen cinco canciones más, cada una diferente de la anterior. "We Wanna Cook" alcanza un tono bebop -la única canción del álbum que lo hace- con Ammons (¿o es Root?) tocando duro y rápido de una forma que me recuerda al largo y legendario solo de Paul Gonsalves con Duke Ellington en Newport sólo dos años antes -funky y casi rockero.
"That's All" es una balada dulce y hermosa. Green está maravilloso, suave, apacible y soñador. "Lullabye of the Doomed" es, como su título indica, una triste canción fúnebre. El trombón de Green llora, y los saxofones están llenos de humo arremolinado. Me recuerda a Miles Davis en "My Funny Valentine", o a "Mood Indigo" de Ellington. El cierre, "Black Pearl", es una melodía alegre y animada que permite brillar a cada solista.
El único bajón, y es pequeño, es "B.G. Mambo". El tema es algo cursi, aunque da paso a siete minutos de solos muy agradables, antes de volver al tema bobalicón.
En definitiva, Soul Stirrin' es un placer inesperado de un jazzista en gran parte olvidado. Ahora que he descubierto a Bennie Green, quiero escuchar más.
Puntuación: 5 estrellas (de 5)
Por Marc Davis
26 de agosto de 2015
https://www.allaboutjazz.com/bennie-green-soul-stirrin-1958-bennie-green-by-marc-davis



Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Soul Stirrin' es una fecha vigorizante y emocionante del trombonista Bennie Green, mostrando su amplia gama de habilidades. Su tono es alternativamente bullicioso y reflexivo -- la yuxtaposición de la salvajemente oscilante "We Wanna Cook" (completa con voces gritadas) y la suave "That's All" es sorprendente, demostrando que Green puede variar su robusto sonido según la ocasión. El fluido trombón de Green ocupa el centro del escenario en la mayor parte de Soul Stirrin', pero también se hace a un lado para iluminar a su extraordinario grupo de apoyo: los saxofonistas Gene Ammons y Billy Root, el pianista Sonny Clark, el bajista Ike Isaacs y el batería Elvin Jones. Cada músico toca con alma y pasión, tanto en los relajados blues y mambos como en los alegres números de swing. Es un disco muy disfrutable y una buena introducción al maravilloso y agradable estilo de Green.
https://www.allmusic.com/album/soul-stirrin-mw0000595873


Thursday, April 2, 2026

Freddie Hubbard • Ready For Freddie

 



Biography
by Scott Yanow
One of the great jazz trumpeters of all time, Freddie Hubbard formed his sound out of the Clifford Brown/Lee Morgan tradition, and by the early '70s was immediately distinctive and the pacesetter in jazz. However, a string of blatantly commercial albums later in the decade damaged his reputation and, just when Hubbard, in the early '90s (with the deaths of Dizzy Gillespie and Miles Davis), seemed perfectly suited for the role of veteran master, his chops started causing him serious troubles.

Born and raised in Indianapolis, Hubbard played early on with Wes and Monk Montgomery. He moved to New York in 1958, roomed with Eric Dolphy (with whom he recorded in 1960), and was in the groups of Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton, and J.J. Johnson, before touring Europe with Quincy Jones (1960-1961). He recorded with John Coltrane, participated in Ornette Coleman's Free Jazz (1960), was on Oliver Nelson's classic Blues and the Abstract Truth album (highlighted by "Stolen Moments"), and started recording as a leader for Blue Note that same year. Hubbard gained fame playing with Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) next to Wayne Shorter and Curtis Fuller. He recorded Ascension with Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) with Eric Dolphy, and Maiden Voyage with Herbie Hancock, and, after a period with Max Roach (1965-1966), he led his own quintet, which at the time usually featured altoist James Spaulding. A blazing trumpeter with a beautiful tone on flügelhorn, Hubbard fared well in freer settings but was always essentially a hard bop stylist.

In 1970, Freddie Hubbard recorded two of his finest albums (Red Clay and Straight Life) for CTI. The follow-up, First Light (1971), was actually his most popular date, featuring Don Sebesky arrangements. But after the glory of the CTI years (during which producer Creed Taylor did an expert job of balancing the artistic with the accessible), Hubbard made the mistake of signing with Columbia and recording one dud after another; Windjammer (1976) and Splash (a slightly later effort for Fantasy) are low points. However, in 1977, he toured with Herbie Hancock's acoustic V.S.O.P. Quintet and, in the 1980s, on recordings for Pablo, Blue Note, and Atlantic, he showed that he could reach his former heights (even if much of the jazz world had given up on him). But by the late '80s, Hubbard's "personal problems" and increasing unreliability (not showing up for gigs) started to really hurt him, and a few years later his once mighty technique started to seriously falter. In late 2008, Hubbard suffered a heart attack that left him hospitalized until his death at age 70 on December 29 of that year.Freddie Hubbard's fans can still certainly enjoy his many recordings for Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, and his first Music Masters sets.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Freddie Hubbard, uno de los grandes trompetistas de jazz de todos los tiempos, formó su sonido a partir de la tradición de Clifford Brown/Lee Morgan y, a principios de los años 70, era inmediatamente inconfundible y el referente del jazz. Sin embargo, una serie de álbumes descaradamente comerciales a finales de la década dañaron su reputación y, justo cuando Hubbard, a principios de los 90 (con la muerte de Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente apto para el papel de maestro veterano, sus chuletas empezaron a causarle serios problemas.

Nacido y criado en Indianápolis, Hubbard tocó en sus inicios con Wes y Monk Montgomery. Se trasladó a Nueva York en 1958, compartió habitación con Eric Dolphy (con quien grabó en 1960) y formó parte de los grupos de Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton y J.J. Johnson, antes de realizar una gira por Europa con Quincy Jones (1960-1961). Grabó con John Coltrane, participó en el Free Jazz de Ornette Coleman (1960), formó parte del clásico álbum de Oliver Nelson Blues and the Abstract Truth (en el que destaca "Stolen Moments") y empezó a grabar como líder para Blue Note ese mismo año. Hubbard ganó fama tocando con Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) junto a Wayne Shorter y Curtis Fuller. Grabó Ascension con Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) con Eric Dolphy y Maiden Voyage con Herbie Hancock y, tras un periodo con Max Roach (1965-1966), dirigió su propio quinteto, que en aquella época solía contar con el contralto James Spaulding. Trompetista ardiente con un bello tono de flügelhorn, Hubbard se desenvolvía bien en ambientes más libres, pero siempre fue esencialmente un estilista del hard bop.

En 1970, Freddie Hubbard grabó dos de sus mejores álbumes (Red Clay y Straight Life) para CTI. La continuación, First Light (1971), fue en realidad su fecha más popular, con arreglos de Don Sebesky. Pero después de la gloria de los años de CTI (durante los cuales el productor Creed Taylor hizo un trabajo experto para equilibrar lo artístico con lo accesible), Hubbard cometió el error de firmar con Columbia y grabar un fracaso tras otro; Windjammer (1976) y Splash (un esfuerzo ligeramente posterior para Fantasy) son puntos bajos. Sin embargo, en 1977, realizó una gira con el quinteto acústico V.S.O.P. de Herbie Hancock y, en los años 80, en grabaciones para Pablo, Blue Note y Atlantic, demostró que podía alcanzar sus cotas anteriores (aunque gran parte del mundo del jazz le había abandonado). Pero a finales de los 80, los "problemas personales" de Hubbard y su creciente falta de fiabilidad (no se presentaba a los conciertos) empezaron a perjudicarle de verdad, y unos años más tarde su otrora poderosa técnica empezó a flaquear seriamente. A finales de 2008, Hubbard sufrió un ataque al corazón que le dejó hospitalizado hasta su muerte a la edad de 70 años el 29 de diciembre de ese año.Los fans de Freddie Hubbard todavía pueden disfrutar sin duda de sus muchas grabaciones para Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, y sus primeros sets de Music Masters.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography


Wednesday, April 1, 2026

Elvin Jones • It Don't Mean A Thing

 



AllMusic Review (by Scott Yanow):
Drummer Elvin Jones' 1993 Enja recording is one of the most well-rounded sets he has ever led. His Elvin Jones Jazz Machine of the time included such promising young players as trumpeter Nicholas Payton and trombonist Delfeayo Marsalis, with the veteran Sonny Fortune on saxophone and flute. With pianist Willie Pickens and bassist Cecil McBee completing the group and Kevin Mahogany contributing soulful vocals to several tracks, this is a very impressive lineup. The music includes Ellington and Strayhorn classics like the title track, "Lush Life" and "A Flower Is a Lovesome Thing" plus newer originals. As for the drummer, there is still no one around who has captured the sound and spirit of Elvin Jones better than himself.

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
La grabación de 1993 para el sello Enja del baterista Elvin Jones es uno de los conjuntos más completos que jamás haya liderado. Su Elvin Jones Jazz Machine de aquel entonces incluía a jóvenes promesas como el trompetista Nicholas Payton y el trombonista Delfeayo Marsalis, junto al veterano Sonny Fortune en el saxofón y la flauta. Con el pianista Willie Pickens y el bajista Cecil McBee completando el grupo, y Kevin Mahogany aportando voces conmovedoras en varios temas, se trata de una formación muy impresionante. La música incluye clásicos de Ellington y Strayhorn como el tema que da título al disco, "Lush Life" y "A Flower Is a Lovesome Thing", además de algunos temas originales más recientes. En cuanto al baterista, todavía no hay nadie que haya capturado el sonido y el espíritu de Elvin Jones mejor que él mismo.